Sci-Néma 160

par Hugues MORIN [HM] et Daniel SERNINE [DS]

Exclusif au Volet en ligne (Adobe Acrobat, 448Ko) de Solaris 160, Automne 2006

What does a scanner see?

Richard Linklater nous avait donné en 2001 le plus-que-dickien Waking Life qui, avec ses considérations sur la perception de la réalité et du rêve, avait toutes les allures des délires raisonnés de Philip K. Dick. Il avait aussi signé en 1993 Dazed and Confused, pour rester dans le même registre.

Il récidive avec une adaptation du célèbre roman de Dick, A Scanner Darkly, adaptation approuvée avec enthousiasme par la succession de l’écrivain (son fils et ses deux filles). Le film devait d’abord atteindre les écrans en septembre 2005, mais la rotoscopie a pris beaucoup plus de temps que prévu et c’est seulement dix mois plus tard qu’il a pris l’affiche. Selon un procédé déjà employé par ce réalisateur, l’histoire a d’abord été filmée dans de vrais décors avec de vrais acteurs (Robert Downey Jr, Woody Harrelson, Keanu Reeves, Winona Ryder), puis on a peint par-dessus l’image, lui donnant la texture de certains styles de dessins animés.

Dans un futur proche, Bob Arctor est un agent double de la police antidrogue. Sous le pseudonyme de Fred et le couvert d’un scramble suit (une combinaison qui génère constamment les images de divers personnages, de sorte qu’on ne garde aucune impression de la personne qui la porte), il tente de remonter la filière de la Substance D, une drogue particulièrement ravageuse qui perturbe la communication entre les hémisphères du cerveau et, ce faisant, altère la perception de la réalité. Le propre patron de «Fred» ignore son identité, et il le mandate pour surveiller Arctor ainsi que ses colocs, l’équivoque Barris (Downey) et le débile Luckman (Harrelson). La paranoïa s’installe et même Donna (Ryder), la petite amie et la fournisseuse de Bob, n’est plus le havre de fiabilité qu’elle incarnait. Le fait qu’Arctor doive visionner les images tournées chez lui par des caméras cachées ne l’aide pas à cerner ce qui s’est passé durant les périodes où vacillait son emprise sur la réalité; au contraire.

Dans ce qui est l’une des adaptations les plus fidèles d’une œuvre de Philip Dick, l’intrigue s’avère plus claire que dans le roman; on n’entretient pas vraiment de doute sur la réalité de ce qui se passe, ou du moins il n’y a pas de confusion quant au point de vue de la narration. Les dialogues au rythme enlevé sont savoureux; Downey et Harrelson, en particulier, les dégustent à haute voix. Comme Waking Life, A Scanner Darkly est un régal pour l’esprit. Pas du tout un film grand public, il aura peut-être quitté les quelques écrans où il était projeté lorsque vous lirez ces lignes. Mais si vous êtes un vrai connaisseur et considérez comme moi que Philip Dick a mis au jour et exploité l’un des plus riches filons de la SF, emparez-vous de ce DVD dès qu’il apparaîtra sur les tablettes. Et puis tiens, offrez-vous un programme double, si vous trouvez Waking Life. [DS]

 

6(66) étoiles sur 10(00)

Le succès de The Omen en 1976, malgré son petit budget, avait permis à Richard Donner de réaliser par la suite le premier Superman avec Christopher Reeves et plusieurs autres méga-succès comme Lethal Weapon, sans compter l’Oscar que The Omen avait valu à Jerry Goldsmith pour son inquiétante musique chorale en latin.

Trente ans plus tard, l’œuvre a été reprise par John Moore, toujours sur le scénario de David Seltzer puisqu’il s’agit du même film presque plan pour plan. Seules ont été ajoutées une mort violente au début du film et quelques scènes de cauchemar. Et la décapitation, vers la fin, se passe autrement. Le nouveau film, tourné en République Tchèque, s’avère plus léché mais (du moins pour un spectateur qui a vu et revu l’original) bien moins intense.

La faute (si faute il y a) n’en revient pas juste aux acteurs. La critique a reproché à Liev Schreiber (vu antérieurement dans The Mandchurian Candidate) un jeu plutôt figé; mais si on revoit Gregory Peck dans ce rôle de Robert Thorn, ambassadeur étatsunien à Rome puis à Londres, on note qu’il le jouait sans plus d’intensité. Mia Farrow incarne désormais la sinistre nanny, et Pete Postlethwaite (lugubre comme toujours) le père Brennan. David Thewliss, dans le rôle de l’infortuné photographe Jennings, succède à David Warner (à qui le site IMDb attribue près de deux cents rôles!).

L’histoire, faut-il le rappeler, est celle du couple Thorn dont le premier bébé s’avère mort-né. La mère ne le sait pas (on suppose que l’accouchement problématique s’est passé sous anesthésie), aussi l’ambassadeur Thorn se voit-il offrir, par un prêtre de l’hôpital romain où cela se passe, un nouveau-né dont la jeune mère est morte en couches, et dont le père est inconnu. Déchiré, Thorn accepte et présente le bébé à son épouse comme le leur propre. On l’appellera Damien (jamais un prénom ne se sera autant propagé dans la société occidentale à la suite d’un seul film…).

Saut, six ans dans le futur. Thorn est maintenant ambassadeur au Royaume-Uni et des choses dramatiques commencent à se produire: la jeune nanny de Damien se suicide lors de sa fête d’anniversaire, un vieux prêtre sert des mises en garde confuses à Thorn pour être ensuite empalé par la chute d’un paratonnerre, Katherine (l’épouse de Thorn) devient dépressive et commence à être hostile au bambin.

Un paparazzi, qui a des raisons de se sentir concerné par les mauvais présages («omens») se lance avec l’ambassadeur dans une enquête qui les mènera dans la Cité éternelle puis en Terre Sainte. En un mot comme en cent, Damien (né d’un chacal femelle, et non d’une femme) serait le fils du démon, c’est-à-dire l’Antéchrist. Les chiffres 666 dissimulés à la racine de ses cheveux en constitueraient la preuve et quiconque menacerait l’avenir du garçon subira un sort tragique – dû à tout sauf au hasard.

Si vous êtes vraiment féru de fantastique biblique (et de cinéma), pourquoi ne pas vous offrir une séance de visionnement comparatif entre les deux versions? Si en plus vous louez le coffret-anniversaire du premier Omen, celui de Donner, vous aurez droit à des heures de matériel complémentaire, dont une bonne part s’avère intéressante. (Vous pensiez comme moi qu’il y avait eu deux suites au célèbre film? Eh bien il y en avait eu quatre, dont un téléfilm et le pilote d’une série télévisée jamais concrétisée.)

Pour la petite histoire, Harvey Stephens, qui incarnait le premier Damien aux joues roses et au sourire malicieux, joue un reporter dans The Omen 2006 (je ne l’ai pas vu, l’ayant su par la suite). Quant à son successeur, le petit Seamus Davey-Fitzpatrick, on l’a choisi dans un autre registre, plutôt pâle et renfrogné, choix qui se défend bien car son air taciturne a quelque chose d’inquiétant.

Si par ailleurs vous êtes trop jeune pour avoir connu l’œuvre d’origine, la version 2006 se laisse regarder comme un bon thriller fantastique, sans plus. Avec trente ans d’évolution dans l’horreur, on ne pouvait s’attendre à ce que la nouvelle mouture ait un impact comparable à l’original, surtout en l’imitant d’aussi près. On se pose la même question que pour Psycho ou L’Aventure du Poséidon: pourquoi les avoir refaits? [DS]

 

Petit film magique

CouvertureLe film The Illusionist est basé sur la nouvelle «Eisenheim the Illusionist», parue dans le recueil The Barnum Museum (1990) de Steven Millhauser. Comme cet Américain à la production parcimonieuse mais digne d’un prix Pulitzer (pour le roman Martin Dressler, 1996) est l’un de mes écrivains préférés, je me suis laissé tenter par la relecture de quelques-unes de ses meilleures nouvelles en préparant cette critique.

Mauvaise idée.

Il en est ainsi des écrivains dont on admire le plus la prose; on dépose leur livre et l’on se demande: «Pourquoi est-ce que je continuerais d’écrire, alors qu’il existe déjà des œuvres comme celle-ci?» Des nouvelles qui, bien que vous les ayez déjà lues deux ou trois fois, vous font encore un effet, ici, dans la poitrine, et là, dans les yeux?

Rédiger la critique d’un film tiré d’une nouvelle de Millhauser a aussi quelque chose de vain. D’une part, je sais que ses meilleures œuvres littéraires ne seront jamais portées à l’écran: elles sont trop rêveuses, reposent sur une douceur et une légèreté qui confinent au «presque rien», n’offrant donc pas grand-chose au scénariste. Mais bon, certains cinéastes sont déjà parvenus à me surprendre agréablement, pourquoi se fermer à tout espoir?

«Eisenheim the Illusionist», qui ne compte que 22 pages, ne compte guère parmi les meilleurs textes de cet écrivain contemporain. En fait, le scénariste et réalisateur Neil Burger à dû ajouter un aspect majeur à l’histoire pour la rendre plus captivante. Située à l’époque d’Houdini, du spiritisme et de la fin des empires, l’histoire se déroule à Vienne vers 1900. Eisenheim est plus qu’un prestidigitateur: la mise en scène, et la nouvelle, nous laissent envisager que le surnaturel existe et que le personnage incarné par Edward Norton pratique réellement la magie. Adolescent, à Bratislava, Eduard Abramowitz était tombé amoureux d’une jeune aristocrate, Sophie Ritter, amour réciproque bien qu’Eduard fût un roturier. Ils furent séparés parce qu’une telle amitié était inconvenante. Le garçon, déjà apprenti magicien, faillit à la promesse faite à Sophie: un jour ils allaient disparaître ensemble.

Quinze ans plus tard, l’homme triomphe à Vienne sous le nom de scène Eisenheim, au point que le prince héritier Léopold, très sceptique, vient assister à une représentation. Lorsque l’illusionniste demande un volontaire pour monter sur scène, le prince envoie sa fiancée, une jeune comtesse qui s’avère être Sophie. Ils se reconnaissent et commencent à se revoir secrètement, malgré les mises en garde du chef inspecteur Uhl (Paul Giamatti, aussi intéressant ici qu’en concierge dans Lady in the Water). Mis au fait de cette liaison, et voulant utiliser la comtesse dans le cadre de ses ambitions politiques, le prince antipathique, joué par Rufus Sewell (Dark City, A Knight’s Tale) se montre implacable et cruel. Je n’en dis pas davantage car, en plus d’être un film fantastique (si on fait ce choix), The Illusionist s’avère aussi un mystère (au sens policier).

De fait, Todorov serait fier de cette œuvre car elle entretient, tout du long, le fameux doute au sujet du surnaturel, en particulier au chapitre de l’âme (ou de l’esprit) revenant de l’Au-delà et se manifestant de manière visible. Nous voilà en pleine ère des ectoplasmes et du spiritisme, courant philosophique qu’évoque habilement le scénario, aussi adroitement qu’il effleure l’idéologie républicaine menaçant les empires européens de l’époque.

L’héritier du trône des Habsbourg et sa jalousie, la liaison passionnée pour une femme qui serait à la fois la fiancée du prince et un amour de jeunesse du magicien, les menées clandestines de la police secrète autour d’Eisenheim et la stratégie de celui-ci pour y échapper, rien de cela ne figurait dans la nouvelle. En revanche, dans le texte, le génie de la scène avait un caractère plus ambigu, pas entièrement aimable: un orgueil, un sens de la rivalité qui ne se retrouvent pas dans le film.

Bien qu’il ne s’agisse pas d’un «grand» film, je ne trouve rien à lui reprocher (je n’ai pas cherché bien fort, mais à vous d’en juger). Tourné à Prague et en République Tchèque, hanté par la musique de Philip Glass, bien secondé par des effets visuels réussis, The Illusionist est à voir sans faute. Nul doute qu’il se trouvera encore en salles au moment où vous lirez ceci car il a été fort bien reçu, tant par la critique que par le public (bien qu’on l’ait offert sur bien peu d’écrans, comme si ses distributeurs n’étaient pas trop sûrs de ce qu’il fallait en faire).

Et si vous en avez l’occasion, faites connaissance avec l’œuvre de Millhauser, un écrivain classé sur les rayons de la littérature générale mais flirtant souvent avec le réalisme magique et parfois avec le fantastique ou avec la fantasy moderne. [DS]

 

The Descent

Convenons qu’il n’y aurait pas de films de suspense si les personnages se comportaient prudemment et de manière exemplaire. Les drames – dans les maisons abandonnées, les cavernes ou en plongée sous-marine – arrivent surtout quand on se met à faire des conneries. The Cave, à cet égard, était exemplaire. Le film britannique The Descent vient démontrer que les femmes aussi peuvent agir stupidement.

Le film de Neil Marshall commence avec trois femmes faisant de la descente de rapides (en écosse, présume-t-on). Le mari et la fillette de l’une d’elles, Sarah, les attendent à l’arrivée. Sur le chemin du retour, l’époux soucieux cause un accident routier digne de The Omen, dont Sarah sera la seule survivante. Le spectateur pas trop distrait aura deviné que… Enfin, notez le regard que s’échangent le mari et l’une des autres femmes.

Un an plus tard dans les Appalaches, le même groupe de sportives, auxquelles se joignent deux autres amies ou connaissances (plus la blonde de l’une d’elles, comprend-on) se lance dans une autre aventure. L’objectif est de souligner leurs retrouvailles par une expédition qui les liera: une descente spéléologique. Juno, forte tête du trio initial, ne joue pas franc jeu dès le départ. Trouvant que la première caverne choisie était une trop facile «trappe à touristes», elle mène plutôt le groupe vers l’entrée d’un réseau nouvellement découvert et non-exploré – mais sans le leur dire. C’est seulement quand une carte s’avérerait indispensable qu’elle avoue sa faute. On s’égare, on se coince dans un conduit étroit, on vient près d’être écrasé lors d’une secousse sismique, on perd des cordes d’escalade, on franchit un abîme au péril de sa vie, on a des hallucinations auditives… Et ça, c’est avant que les choses ne se gâtent!

Puis on fait des découvertes: de l’art rupestre digne de Lascaux, du matériel d’escalade datant d’un siècle et les squelettes humains qui vont avec. Mais on n’a pas le choix de poursuivre, à la recherche de la deuxième issue (car la première a été bloquée par le séisme). L’ambiance n’est décidément plus à la camaraderie, surtout lorsqu’on commence à voir les hominidés carnassiers…

Devant ce film pas très bavard, le spectateur est libre de spéculer – comme les infortunées aventurières – sur l’origine de ces créatures. Pour ma part j’ai choisi de croire qu’il s’agissait d’humains dévolués au fil des millénaires, car ils sont gris de peau, aveugles comme toute faune cavernicole et ils ont développé un système de sonar à la manière des chauves-souris. Par ailleurs ils ne sont pas captifs sous terre car des monceaux d’ossements (et une carcasse de chevreuil montrée dans la forêt à l’arrivée) établissent qu’ils vont chercher leurs proies à la surface.

Le film est captivant, intense, féroce, et comporte quelques retournements. Je ne surprendrai personne en annonçant que les six femmes ne sortiront pas toutes vivantes de cette descente aux enfers, excusez le cliché.

Il ne s’agit pas d’un Grand Film, mais pourquoi ne pas vous payer un doublé spéléologique avec The Cave, qui datait lui aussi de 2005? [DS]

 

Pulsations à zéro

Une des réflexions que je me suis faites en sortant de voir Pulse, c’est que je devrais davantage porter attention aux critiques de films lorsqu’elles sont presque unanimement négatives.

Dans ce film sans âme, les morts continuent d’exister sur une fréquence qui jusque récemment n’était pas perçue par la technologie humaine. Un ingénieur informatique du nom de Zieglar leur a involontairement ouvert la porte de notre monde, et un étudiant prénommé Josh (avec qui le film commence) a contribué à leur faciliter l’invasion en hackant le résultat de ses découvertes. Se manifestant comme des fantômes (au sens télévisuel: images floues, neigeuses, transparentes et sautillantes), ils s’en prennent aux vivants en aspirant leur énergie vitale, les laissant pour quelques jours tels des morts en sursis, jusqu’à ce qu’un réseau de meurtrissures noires couvre leur corps entier, après quoi ils se suicident ou se dispersent violemment en cendres.

à la suite du suicide de Josh, sa blonde Mattie et leur groupe d’amis sont hantés par des messages de l’au-delà reçus sur leurs ordinateurs, même lorsque débranchés. Les morts clavardent, emploient le cellulaire et la messagerie-texte, se manifestent tant à l’écran (mais sans webcam) qu’en personne (mais sans substance). Seul du ruban gommé rouge, utilisé libéralement, peut sceller une chambre et les empêcher d’y pénétrer.

Tous ces étudiants évoluent sur un campus et dans des appartements sales, sinistres, et si déprimants que les gens s’y suicideraient sans incitatif surnaturel. Vous n’avez pas vraiment besoin d’en savoir davantage. Malgré quelques effets plutôt réussis, qui pourraient presque être saisissants s’ils n’avaient tous été repiqués pour monter la bande-annonce, Pulse mérite l’un des plus gros BOF que j’aurai décerné à un film dans toute ma carrière de cinéphile. Ça n’a même pas le mérite d’être risiblement mauvais: c’est mou, c’est flou, c’est glauque (dans des tons argent et bleutés). Parlant de bleu, Ian Somerhalder a toujours d’aussi beaux yeux (il incarnait Boone dans la télésérie Lost, celui qui mourait trop tôt dans la saison). Ayant racheté l’ordinateur du suicidé, c’est lui qui, sous le nom de Dexter, aidera l’héroïne à y voir plus clair en se montrant un peu plus pro-actif qu’elle. Il ne vaut pas plus le déplacement que les autres acteurs/trices.

Pulse est basé sur le film Kairo, du Japonais Kiyoshi Kurosawa, film que je ne verrai probablement jamais. Wes Craven – bâillement – a contribué au scénario de cette version. Malgré le recours à des acteurs étatsuniens (dont Brad Dourif, pour deux minutes) le film a été tourné en Roumanie (voir: glauque), d’où présence au générique final de bien des noms finissant en «cu».

C’est bien tentant de conclure mon commentaire pas une expression qui a la même terminaison… [DS]

 

Pourquoi le monde n’avait pas besoin de Superman Returns

Lois Lane, journaliste au Daily Planet, vient de remporter le Pulitzer pour son article intitulé: «Pourquoi le monde n’a pas besoin de Superman?» La pertinence de son article est justifiée par l’absence du super-héros qui dure depuis cinq ans. En effet, cinq ans plus tôt des astronomes ont découvert les restes d’un système solaire que Clark Kent/Superman a identifié rapidement comme étant son monde natal. Il est donc parti vers ce lointain système à la recherche de ses racines. Puis, n’ayant rien trouvé, il revient sur Terre. En cinq ans, toutefois, les choses ont changé. Lois Lane a un conjoint et un enfant, Lex Luthor s’est échappé et le reste de la planète va plutôt mal avec les guerres, la violence, le crime… Bref, on dirait bien que le monde a encore besoin de Superman. Clark Kent reprend donc du service au Daily Planet, et Superman recommence à sauver les gens dans le besoin. Yé.

Comme le film se situe définitivement après les deux «premiers» films (dans lesquels Christopher Reeve tenait le rôle principal), on se dit que l’on regarde une suite. Mais l’apparition de Brando en Jor-El, les plans diaboliques de Lex Luthor, sa découverte de la kryptonite et sa tentative d’éliminer Superman privé de ses pouvoirs, la balade du super-héros avec Lois Lane dans les airs: toutes ces scènes ont déjà été vues dans Superman ou Superman II. Superman Returns relève donc autant du remake que de la suite et ce mélange gâche le film, en offrant trop de répétitions pour apprécier les morceaux originaux.

Par exemple, Superman démontre qu’il est un parfait idiot lorsqu’il se laisse entraîner sur un bloc contenant de la kryptonite où il perdra ses pouvoirs, puisqu’il est déjà tombé dans ce piège avant! Pas dans ce film, d’accord, mais nous sommes bien dans le même univers ou quoi?… Ce qui s’est passé avant que Lois Lane ait un enfant et se trouve un conjoint, c’est déjà arrivé, oui ou non? Cet exemple illustre parfaitement le problème généralisé de cohérence qu’a entraîné l’incapacité des créateurs à décider s’ils faisaient une suite ou un remake.

Le scénario est également plein de longueurs. Il offre parfois des dialogues naïfs («I forgot how warm you are»), et n’explique jamais vraiment ce que fait Lex Luthor, ni surtout comment il le fait. Comme l’équipe de méchants acolytes à ses côtés ne fait absolument rien du film (ils parlent à peine d’ailleurs), l’impression qui se dégage de Luthor est celle d’un méchant de pacotille. Son plan diabolique tient en une idée: il fait pousser du cristal en le mettant dans l’eau, sans avoir l’air d’y comprendre quoi que ce soit. à un moment, je n’ai pu retenir un bâillement.

Le film hésite aussi entre monde imaginaire et actualités réelles. Si le zapping de Clark à la télé lui montre les guerres, notre héros semble presque se contenter d’aider les vieilles dames à traverser la rue. Une scène suggère qu’il intervient partout sur la planète, mais ses interventions semblent superficielles – à part bien sûr la scène qui marque son retour avec la navette spatiale et le Boeing.

Enfin, le manque de perspicacité des personnages face à l’identité de Superman passe moins bien dans ce film que dans les adaptations antérieures. L’astuce a toujours été un peu naïve, mais avec le retour de Clark de cinq ans de «voyage» qui correspond au retour du super-héros, il devient décidément difficile de croire que la gagnante du Pulitzer qui côtoie les «deux» personnages soit aveugle à ce point.

Superman Returns est donc une déception après les attentes élevées suscitées par quelques films récents qui ont su ressusciter ou exploiter avec talent des franchises comme Spider-Man, Batman ou X-Men, d’autant plus que c’est Bryan Singer, réalisateur des deux premiers X-Men, qui a quitté cette série lucrative et saluée par la critique pour aller réaliser Superman Returns. Cette décision peut surprendre, sauf si on sait que Singer a souvent déclaré qu’il rêvait de réaliser Superman, et on sent dans ses propos à quel point il a du respect pour le matériau d’origine, et pour Richard Donner, réalisateur du premier volet en 1978. Le look de son Clark Kent/ Superman s’inscrit dans cette lignée. On a l’impression qu’à tant aimer et respecter cette vision du héros, Singer s’est trop effacé pour faire de Superman Returns un film original. On sent parfois la touche personnelle du réalisateur et ses thématiques favorites (le rejet et la solitude, revoir Apt Pupil ou X-Men), surtout lorsque Superman espionne/écoute les conversations de Lois et son conjoint avec la maison en transparence. Mais ces scènes sont bien trop rares. Ainsi en va-t-il des acteurs, tous très bons, mais qui jouent exactement comme dans le film de 1978. Sans même mentionner la récupération des rushes de 1978 de Marlon Brando pour jouer Jor-El. On voulait rendre hommage, certes, mais les spectateurs auraient préféré un film intéressant. Les recettes ont donc été décevantes, avec 195 millions de recettes nord-américaines pour l’été. Il est amusant de constater que X-Men 3 a ramassé 234 millions…

C’est donc Lois Lane qui a le dernier mot: le monde n’a en effet pas besoin de Superman… si c’est pour faire toujours la même chose. [HM]

 

Pourquoi le monde a besoin de Jack Sparrow dans Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest

J’avais adoré le premier opus des (més)aventures de Jack Sparrow, ce pirate un peu idiot qui a hanté les Caraïbes sur nos écrans en 2003 dans Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl. Il s’agissait même d’un des meilleurs films de l’année, ce qui plaçait la barre haute pour une suite. Heureusement pour les fans de Sparrow, les scénaristes, réalisateurs et acteurs du film original ont tous remonté à bord pour cette aventure en deux volets (la suite de Dead Man’s Chest est déjà annoncée en 2007 sous le titre de At World’s End).

On apprend cette fois que c’est à la suite d’un marché avec le maître des sept mers, Davy Jones, que Jack Sparrow était devenu le capitaine du Black Pearl. Treize années ont passé depuis, et c’est le temps pour Jack de payer sa dette. Or, notre pirate ne tient pas tant que ça à se départir de son âme (et on le comprend quand on voit Davy Jones). Il partira donc à la recherche du coffre mythique qui contiendrait le cœur de Jones, afin d’éviter la damnation du fond des mers, entraînant plus ou moins malgré lui dans l’aventure ses ex-associés Will Turner et Elizabeth Swann, ainsi que bien d’autres collaborateurs ou vieux adversaires.

Cette série de films réalisés par Gore Verbinski est une belle exception dans le monde du cinéma de divertissement. Car tout en assurant le mélange d’action et de fantastique, d’humour et de combats à l’épée qui avait fait le charme et le succès du premier film, ce second volet se révèle encore plus extravagant, sans qu’on ait l’impression que les créateurs perdent le contrôle ou en font trop. Car Dead Man’s Chest propose un scénario à multiples facettes, avec plus de scènes d’action (dont cet amusant combat à l’épée, à trois, sur une roue de moulin qui s’est détachée!) et plonge plus rapidement et directement dans le fantastique que le premier film. Malgré un budget colossal et des scènes ambitieuses – les quelques apparitions du Kraken, créature au service de Jones, par exemple –, jamais n’a-t-on l’impression de regarder un film prétentieux. On se laisse emporter par les multiples rebondissements, on s’amuse et on rigole, et on s’attache encore plus à ces pirates bons et mauvais. Les effets visuels et sonores sont hallucinants et Davy Jones et ses acolytes, à bord du vaisseau Flying Dutchman réussissent à amuser, surprendre et dégoûter tout à la fois. Bref, l’ensemble du film est savoureux à plusieurs niveaux.

L’interprétation de Johnny Depp est encore l’élément central qui distingue ce film des autres films d’aventures. Avec son maquillage et son costume farfelus, sa diction, sa démarche, et même son cabotinage, cet acteur toujours intéressant a créé avec Sparrow un personnage réjouissant, un antihéros égoïste, ni courageux, ni fiable, ni même loyal envers ses amis. S’il n’est pas très intelligent comparé aux habituels héros d’aventure, il possède l’esprit vif du fourbe, du trickster. Le contrepoids apporté par Will Turner (joué avec talent par Orlando Bloom), véritable héros, loyal et qui emporte le cœur de la belle Elizabeth Swann (Kiera Knightley, délicieuse et pleine de fougue) donne un bel équilibre au film. Bill Nighty fait un Davy Jones surprenant et plus subtil que le méchant de service habituel (voir ma critique de Superman Returns, par exemple, où Luthor est un méchant en carton).

C’est bien simple, après les 2 h 30 de projection, on se surprend à être déçu que ça soit «déjà» fini et on en redemande. L’immense succès de Dead Man’s Chest (plus de 400 millions de recettes nord-américaines) s’explique en partie par la popularité de l’épisode précédent, mais comme les créateurs ont su livrer la marchandise, il y a fort à parier que le troisième volet connaîtra un démarrage exceptionnel. Vivement 2007! [HM]

 

Pourquoi le monde devrait voir La Science des rêves

Le réalisateur français Michel Gondry nous a déjà livré l’inégal Human Nature et l’excellent Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Dans les deux cas, il travaillait sur des scénarios de Charlie Kaufman (l’auteur de Being John Malkovich). Pour La Science des rêves, Gondry a écrit son propre scénario.

Stéphane revient à Paris après la mort de son père, mexicain, pour vivre près de sa mère, française, qui lui a trouvé un nouvel emploi dans une entreprise de calendriers. Esprit créatif, il se rend vite compte que ses talents seront inutiles pour effectuer ce travail ennuyant. Il compense par ses rêves, qu’il met parfois en image via une émission de télévision personnelle qu’il filme avec des caméras en carton. Puis, il tombe amoureux de sa voisine Stéphanie, qui est à la fois attirée et effrayée par l’imaginaire débordant de Stéphane. La solution se trouve peut-être là où l’imagination de Stéphane ne connaît pas de limites…

Difficile de rendre justice à l’histoire de La Science des rêves par un simple résumé. Le film de Gondry, comme le faisaient ses précédents, propose plusieurs niveaux de réalités/irréalités. à vivre et à mettre en scène ses rêves, Stéphane finit d’ailleurs par confondre ceux-ci avec la réalité qui l’entoure. Le résultat est férocement original, souvent poétique, et découle d’une liberté que

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